刘晓辉，因4月的空白展，以艺术的视角再次闯入公众视线，都说艺术是最顶级的奢侈品。诚然，艺术是时尚的源头和灵感，再锋芒高调的时尚，也要对艺术俯首称臣。第一期《摩登周刊》尚流人物：访问艺术家刘晓辉。
作为艺术家，作为艺术策展人，刘晓辉相信，艺术应是“公众的”……
刘晓辉谈艺术
Q: 周翊 A:刘晓辉
Q:你认为公众会关心艺术吗？为什么要为公众做一个艺术展？
A:其实不是公众关注艺术，而是艺术是否值得公众关心，是不是有观众关心的内容。
在今天，一个现代的社会里，我们不再关注象牙塔里某个人的情绪。其实艺术家在很多方面是很片面的，社会需要保留更多的空间才有活力，凭什么艺术家就自以为可以不回复E-mail?凭什么艺术家就会要求社会对他们保持一定限度的宽容？今天，艺术家是否还在坚持自己的理想？
这也反映了我们这个时代的片面性。
今天，中国当代艺术都是面向画廊、海外市场、面对收藏家，什么时候他们能够面对大众呢？ 这就要看艺术家是否觉得有责任来为社会做点事情，也取决于他们怎么来看待艺术家这一特定的身份。
Artist这个词是来自西方的，在中国说成“艺术家”，其实翻译成“做艺术的人”比较准确，现在，什么都是成名成家的，艺术家要是真觉得自己是“艺术家”，那就完了。市场中自以为是艺术家的那些人如果把自己的定位变成一个商人，那么公众面对他们的心态会平和一些。
Q:你认为什么样的艺术是公众艺术？
A:在一个商业社会，真正的精英是商人，一个商人的眼光往往比艺术家更敏感，一个商人的思路往往比艺术家更有创造力。 艺术怎么会不期望面对公众呢？所以不能说有“公众艺术”，艺术向来都是渴望公众了解的。目前的这个艺术圈是比较狭隘的，很片面。
Q:应该探讨艺术家的职责是什么？我们是否考虑到公众需要什么？
A:一提到公众艺术很容易联想到世俗趣味，迎合大众的品位，其实不见得。美国首都华盛顿的越战纪念碑（Vietnam Veterans Memorial）是为了纪念越战时期服役于越南的牺牲的美国战士。闪闪生辉的黑色大理石墙上依照战士牺牲的日期为序，刻划着牺牲者的名单。
自从1982年“老兵纪念日”那天建成以来，越南战争纪念碑就成为了华盛顿特区游览者最喜欢的去处之一。纪念碑由用黑色花岗岩砌成的长500英尺的V字形碑体构成，就像插在华盛顿纪念馆和林肯纪念馆之间的一道风景线。在其140块花岗岩墙板上镌刻着57000多名1959年至1975年间在越南阵亡的美国男女军人的名字。
在设计初期提交了1400份设计方案，最后，耶鲁大学21岁的建筑专业学生Maya Lin的设计方案被选中。当时，她的设计方案也没有立即引起普遍认同。她的设计不像普通纪念碑那样高高立起，而是插入地下，牺牲者的名字也没有按照姓氏的先后排列，以至于亲属朋友只能按照死去的日期一个一个寻找，有些像在死尸堆里扒来扒去，它不是崇敬型的，是情感型的，面对它，亲人们不能控制自己的情感。这种近似于残酷的形式，反常规的设计导致军方强烈的不满，认为没有反映传统军队的英雄形象，是对老兵们的侮辱。
这个简单而又优美的设计——两面黑色的大理石自然地拔地而起，这个设计在当年一度引起了争议，但今天在人们心目中该纪念碑已成为衡量其他纪念碑的标准，成为探访者最多的纪念碑。 法国的埃菲尔铁塔、卢浮宫前面的金字塔在建成之前，也都是广受非议。 所以说，问题是艺术家是否担负了责任。
Q:艺术展如何做到关注现实？
A:大家都会这么想问题，问题在于公众怎样去关注展览？是去欣赏价值天文数字的油画，还是去看看其他的人群在做什么？艺术家是否有能力去关注身边的现实？ 我们不要把艺术家归为特殊的人群，只是工作的种类不同，大家都是在为这个社会的进步做一点贡献。一个工人生产一块砖，一个艺术家创作一个雕塑，本质是没有区别的。 关键在于，一个工人不需要思考为什么要生产一块砖，不需要知道一块砖能够起什么作用，而艺术家必须要知道自己为什么要做一件艺术品。 艺术除了可以换钱之外，还有什么别的功能吗？这是目前中国艺术家应该思考的一个问题。 对于周边发生的一些事情，如果艺术家不能有一些反思，或者提出一些问题的话，我不知道他们还能干什么？ 艺术越来越倾向于设计，设计总是贴近生活的，艺术的功能性加强则会贴近生活，我们都看得懂设计展，不会有太多的疑问，大家肯定不会对一个设计新颖的玻璃杯有任何的疑问，但是对于一个艺术展，面对一件装置作品，大家会显得紧张，如果以欣赏一个造型独特的杯子的视角来看待一件艺术品的话，事情就变得轻松了。
“空白”展的由来？
媒体和艺术的结合已经有很多成功的先例。空白展的由来是因为《北京青年》周刊的一个建议——想要做一系列有关“白”的活动。
我想提出一个概念，比“白”更高一点的概念，随之与策展人、艺术家的沟通过程中产生一个“空白”的提法。
我所指的“空白”比传统意义上的白衣服、白开水、白颜色等等更多了一些想象力、创造力和互动性，也对传统意义上的“白”有一定的批判。
它是大众的，更具有活力的，其实，对那种精英人群中流行的所谓精雕细刻出来的极简主义是蔑视的。它应该更贴近年轻人，我认为它一定是朴素的。
所以策展人提出，这是一个活泼的、互动的、五颜六色的“白”。
你所理解的“空白”是什么样的？
我对思维上的空白比较敏感。“读书之际，不时中缀，非因兴趣索然，恰恰相反，乃由于思绪、兴奋、联想翩然而至，此景未曾降临您身吗？一句话，您不曾抬头而读吗？”就象罗兰·巴特说的这句话，我所以为的空白是纯感觉性的。视觉方面我对大幅面的宣纸比较感兴趣，对于白颜色本身并没有太多的喜好。
作为“空白展”的创意总监，你的创意从什么地方来？
这个创意不是一个人的，随着参与的艺术家慢慢进入状态，有些想法的产生是让人异常兴奋的——比如，一个纽约年轻艺术家创作的一个有关气味的作品，通过味道展示对“白”的生活方式的联想，使展览从三维衍生到四维。
所以，这个展览是一群人智慧的结晶，我仅仅是一个笔录员。
作为本次展览的艺术家，你会为展览准备哪些作品？
这段时间构思了好几套方案，作品形式主要是中国传统水墨画的装裱工艺，作品内容仍然没有最后敲定。本来刚开始也有一些有意思的想法，但随着展览筹划的深入那些想法不断在更新，艺术创作是一个过程，随着不断的反复它会变得越来越纯粹。
在众多的参展作品中分为可视性和非视觉性两种，我的作品一定会介乎两者之间。
你们所倡导的“空白”容易于人所理解么？
视觉性的作品可以一目了然，非视觉性的作品会有一定量的文字解释，所以说展览不是曲高和寡的，它是一座桥梁，有助于观众对于当代艺术的进一步了解。其实大部分观众对当代艺术有很大程度上的误读，艺术应该是很贴近生活的，只是作品和观众之间缺乏沟通的媒介，我希望“空白”展能起到这个作用，告诉观众，当代艺术不是象牙塔。
你对“空白”展有哪些期待？
“空白”展不会给人留下过多的视觉记忆，我更希望它变成一个谈资，启发人们对于事物，比如“白”有更多元化的思维。也许，人们从“空白展”开始，反思自己的生活品质。
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